Brigitte Helm, A Deusa Eterna De Yoshiwara!!!

Brigitte Helm, A Deusa Eterna De Yoshiwara!!!
Brigitte Helm, A Deusa Eterna De Yoshiwara!!!

quinta-feira, 11 de janeiro de 2018

Resenha de Filme - Mãe

Mãe. Parece, Mas Não É.

                Cartaz do Filme
Um filme inusitado passou em nossas telonas. “Mãe”, dirigido por Darren Aronofsky (o mesmo diretor de “Cisne Negro”) é uma daquelas películas que seguem uma linha narrativa que, de repente, se modifica completamente, bem ao estilo do “parece, mas não é”. Com isso, o espectador fatalmente tem a impressão de que vê um certo gênero quando, na verdade, acaba sendo outro. Um filme que gosta de brincar de gato e rato com o espectador.
                      Uma mulher atormentada
Mas, no que consiste a história? Vemos aqui um casal bem unido (interpretado por Jennifer Lawrence e Javier Bardem). O marido é escritor e tem um bloqueio criativo que o impede de seguir a sua carreira adiante. Já a esposa é devotada ao casamento e ajuda o cônjuge a reconstruir a sua vida depois de uma tragédia pregressa. Tudo parecia às mil maravilhas com aquele casal. Até que, um dia, o marido leva um homem estranho para sua casa (interpretado por Ed Harris) e o acolhe, para espanto da esposa, que não entende a atitude do esposo a princípio, mas a acata, pois vê que o seu companheiro tem uma postura altamente solidária. Entretanto, com o tempo, aquele acolhimento dado àquele homem revela-se uma tremenda furada. O cara é extremamente inconveniente, fuma dentro de casa, e tem uma doença que provoca nele tosses insuportáveis não somente para ele como também para quem presencia aquilo tudo. E, como se não bastasse, ele tem uma esposa (interpretada por Michelle Pfeiffer), que se revela muito cínica e ácida. Todo esse rosário de situações inusitadas vai transformando a vida da esposa da casa num inferno e o marido não toma qualquer atitude para reverter isso, já que os intrusos se declaram fãs incondicionais de sua produção literária.
                         Um marido sem noção…
Esse é o tipo de filme que incomoda muito o espectador, já que ele bate de frente com um valor primordial da sociedade liberal: a ideia de propriedade como sinônimo de liberdade. Desde os tempos da Revolução Inglesa e do pensador John Locke, que cunhou as bases do liberalismo político, a ideia de propriedade como liberdade, cunhada pelo mesmo pensador, impera na sociedade liberal capitalista contemporânea. E, de repente, vemos o direito à propriedade sendo sistematicamente violado na película, provocando um enorme desconforto e uma empatia cada vez maior entre o espectador e a esposa interpretada por Lawrence, que recebe a agressão direta do desrespeito a esse direito fundamental. E a coisa é feita numa torrente cada vez mais crescente em intensidade, com a nítida intenção de incomodar. Por ser tão agressivo, o espectador vê a película nesse momento como uma história de suspense que pode até descambar para o terror, achando que o filme irá cair no lugar comum de um clichê. O problema é que a coisa vai se tornando cada vez mais surreal com o andamento da história, e o inusitado fica tão agressivo que rompe até os limites da liberdade poética, deixando a pessoa que assiste um tanto perdida com o que vai acontecer com o desfecho. E aí, quando chega o clímax, há uma violenta virada, onde o filme assume outra cara, não fechando um ciclo, por mais paradoxal que isso possa parecer. Infelizmente, os spoilers não me permitem ir mais a fundo na análise, mas uma coisa é certa aqui: a violenta virada que esse filme sofre em sua estrutura narrativa não é algo que a gente vê todo o dia e acaba nos surpreendendo um pouco, como se a violação da propriedade prendesse tanto a nossa atenção que a gente não consegue perceber as pequenas pistas que essa virada nos deixa antes do clímax (a capa de surreal é outro fator que ajuda a omitir um pouco tal virada, embora as pistas residam justamente no surreal).
          Ed Harris, um homem inconveniente
Bom, apesar desse estado de confusão que o filme provoca no espectador, visto por uns como virtude e por outros como defeito, temos um grande atrativo que é o elenco. Foi muito bom rever Ed Harris e Michelle Pfeiffer, que andavam meio sumidos de nossas telonas. Só é uma pena que tenham aparecido pouco. Eles poderiam ter tido uma participação um pouco maior na história, sobretudo Pfeiffer, com uma personagem bem mais interessante e agressiva. Harris foi perfeito em sua inconveniência, embora o personagem exibisse uma fragilidade latente que não combinava muito, mas ajudava a aumentar a tensão. Bardem foi primoroso como o marido amável, que podia ser muito complacente em alguns momentos, mas extremamente agressivo em outros. Agora, a mais fraquinha ali talvez tenha sido justamente Jennifer Lawrence. Embora suas sequências de desespero explícito tenham sido bem convincentes, sua atuação meio que se apagou em meio a tantos craques ali envolvidos. Foi até uma covardia com a moça, ouso dizer, mesmo que ela tenha melhorado muito nos últimos anos. Talvez a personagem não ajudasse muito, sei lá, embora não devamos nos esquecer (alerta de spoiler) de que ela chegou a uma situação limite no filme, onde ela acabou saindo do lugar comum de vítima que constituía a sua personagem.
Michelle Pfeiffer, numa personagem ácida e cínica
Assim, “Mãe” é um filme que merece ser visto, primeiro porque ele incomoda e agride o espectador a um ponto de que o mesmo não sabe mais qual será o desfecho da história. E, em segundo lugar, porque o filme revela uma grande virada em seu desfecho, até certo ponto inesperada, pois a estrutura narrativa consegue camuflar bem as pistas de que essa virada irá acontecer. Além disso, temos um ótimo elenco que comprou a ideia do filme e topou destilar todo o seu talento. Vale a pena dar uma conferida. Uma coisa é certa: o filme despertou muita polêmica, sendo amado e odiado pelas pessoas por aí. Ninguém ficou indiferente a essa película.
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segunda-feira, 8 de janeiro de 2018

Resenha de Filme - Vazante

Vazante. Cenas De Um Passado Não Tão Distante.

                                  Cartaz do Filme
A competente cineasta brasileira Daniela Thomas nos brinda com mais um de seus bons filmes. “Vazante” é um filme inquietante por si só. Parecendo muito afastado no tempo e descolado de nossa realidade, a película consegue nos mostrar de que ela pode se aproximar mais de nosso tempo presente do que imaginamos. Um filme que consegue fazer refletir e fazer chocar.
                                   Um casamento…
Vemos aqui a história de Antônio (interpretado por Adriano Carvalho), um dono de fazenda que vive em Minas Gerais no início do século XIX. Ele perde tragicamente a esposa e filho quando a mulher estava em trabalho de parto. Desesperado, o homem se lança no mato e lá fica deitado, tentando de alguma forma aplacar a sua dor. Mas como não há nada melhor do que um dia após o outro, a família do irmão da falecida vai morar numa fazenda vizinha. Com a família virá Beatriz (interpretada por Luana Nastas), uma jovem praticamente na pré-adolescência, que acaba casando com Antônio, em virtude das rígidas condições sociais da época. O homem precisa passar uns dias fora de casa para tratar de seus negócios com gado. Enquanto isso, Beatriz passa os dias sozinha, interagindo com os escravos da fazenda. Paro com aqui com os spoilers, mas o leitor um pouco mais atento já está percebendo, ao ler estas linhas, para qual rumo a história irá, assim como o desfecho.
                       A escravidão retratada…
Bom, se a trama não é algo tão inédito assim, isso também não significa que o filme não tenha virtudes. Muito pelo contrário até, pois a película é cheia de lances muito atraentes. A começar pelo notório preto e branco que leva o público a um contraste em claro e escuro muito marcante. Tal contraste já ajuda a alimentar o ambiente opressor do filme, já que as relações sociais numa fazenda no interior de Minas Gerais na primeira metade do século XIX não será exatamente o melhor exemplo de candura e leveza.
Aliás, a grande vedete do filme está justamente na questão das relações sociais. Numa sociedade patriarcal e com muitas heranças de um Antigo Regime ainda próximo (onde as relações pessoais e de troca de favores suplantavam as práticas impessoais e competitivas da sociedade capitalista), atrelada ao fator complicador gerado pela escravidão, vemos aqui como a hierarquização se fazia de forma extremamente presente. Os homens brancos praticamente são os senhores de tudo, indo desde os escravos, tratados como objetos que satisfazem todas as suas necessidades (até sexuais), chegando até a figura da esposa branca Beatriz, que em sua inocência adolescente, acabava se juntando aos escravos e de uma certa forma se igualava a eles, se virmos isso do ponto de vista das propriedades que os patriarcas brancos têm. Essa visão de superioridade do homem branco sobre a mulher, branca ou não, e sobre o próprio negro, ainda se faz presente nos dias de hoje. É só verificarmos que estrato da sociedade compõe a casta de grandes executivos, quem são os empregados, como a mulher é vista no mercado de trabalho e como há a óbvia manutenção do racismo e da ideologia dominante de uma elite que faz de tudo para restringir os direitos sociais. Nesses pontos, podemos dizer que “Vazante” é até bem atual. A única coisa que incomodou um pouco foi o fato de, a uma certa altura do filme, as relações pessoais foram colocadas um pouco de lado em virtude de um maior destaque dado ao relacionamento do casal protagonista. O problema é que, cedo ou tarde, isso teria que acontecer, até para que o filme tivesse um quê maior de dramaticidade. Outro problema aqui foi a qualidade do som, creio também que um pouco por culpa do sistema de som da sala do Estação Botafogo 2, que não está lá essas coisas. Em alguns trechos, os atores pareciam sussurrar bem baixo, o que atrapalhava a compreensão.
                   Mulher negra. Duplo objeto…
A questão da escravidão é muito bem trabalhada na película. Vemos um capataz negro controlando os escravos africanos. Devemos nos lembrar de que havia muitos conflitos envolvidos entre os africanos recém-chegados ao Brasil (que haviam se tornado escravos há pouco tempo e que lutavam para sair dessa condição) e os chamados crioulos, que eram negros nascidos no Brasil já na condição de escravos, que encaravam com mais “naturalidade” a sua condição. O filme mostra muito bem a postura bem mais rebelde dos africanos e de como a barreira linguística podia complicar muito as coisas, pois até os próprios escravos não entendiam uns aos outros, dependendo de sua procedência. Ainda, foi apresentado na película o escravo liberto (ou forro), esse nem livre, nem escravo, que tinha a promessa de uma carta de alforria caso trabalhasse mais alguns anos para o senhor. O forro tinha então o projeto ambicioso de recuperar a propriedade falida em troca da liberdade. E a sua função de administrador que precisava fazer a propriedade funcionar direitinho acabava o aproximando de um capataz que tratava os escravos da mesma forma que um branco o faria. Quando vemos esses momentos polêmicos do filme, onde negros maltratam negros, devemos nos lembrar que a escravidão no Brasil foi um fenômeno altamente complexo onde muitas situações ocorreram. O filme buscou trilhar um pouco por esse caminho mais complexo, saindo do lugar comum da escravidão somente como uma manifestação de violência do branco opressor contra o negro.
       A senhora convivendo com os escravos…
Dessa forma, “Vazante” é um daqueles filmes fundamentais que aparecem por aí, pois não é todo dia que vemos uma película abordar questões históricas de grande complexidade com eficiência e maestria. É um programa imperdível como produto cinematográfico e de análise histórica.
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domingo, 7 de janeiro de 2018

Resenha de Filme - Assassinato No Expresso Oriente

Assassinato No Expresso Oriente. Kenneth Branagh Volta A Atacar!

Cartaz do Filme. Um detetive e um rosário de suspeitos
Um bom filme em nossas telonas. “Assassinato No Expresso Oriente” marca a volta de histórias da mestre Agatha Christie no cinema, sob a responsável chancela de ninguém mais, ninguém menos do que Kenneth Branagh. Um filme que tem como atrativo uma grande história, contada por um grande elenco. Além de Branagh, no óbvio papel de Hercule Poirot, com seu bigode de trinta quilômetros, tivemos nomes de peso como Judi Dench, Willem Dafoe, Johnny Depp, Penélope Cruz, Michelle Pfeiffer e a “Star Wars” Daisy Ridley. Mesmo que o filme tenha sido totalmente centrado em Branagh, somente a presença desse elenco é um belo cartão de visitas que já faz o filme ser ansiosamente aguardado.
                                   Poirot e seu bigodão. O cara!!!
A história não sai do lugar comum das tramas de Christie: um assassinato, onde Poirot precisa desvendar o mistério de quem é o assassino, dentre todo um rosário de suspeitos. No caso aqui, a vítima é um gângster magistralmente interpretado por Depp (sua face camaleônica novamente o torna irreconhecível e o fato dele ser o morto em questão torna a sua presença limitada na película, o que é uma pena). Poirot está cansado e já faz uma viagem para desvendar um caso. O detetive precisa de férias e recebe esse pepino para descascar em pleno trem, que fica preso numa avalanche. Assim, ele tem pouco tempo para descobrir o assassino, enquanto os funcionários da linha férrea desobstruem os trilhos cobertos pela neve. O filme dá a entender que esse é um dos casos mais difíceis que Poirot enfrentou, cujo desfecho é bem trágico, o que talvez tenha colocado essa história de Christie numa posição mais singular. Como eu somente li um livro da autora, não posso dar uma opinião segura quanto a isso, mas se agregarmos as histórias de “Morte Sobre o Nilo” e “Testemunha de Acusação”, ambas aproveitadas para o cinema, vemos que “Assassinato no Expresso Oriente” toma um caminho um tanto diferente dessas demais histórias no que se refere ao desfecho. De qualquer forma, o filme nos dá uma sensação de mortificação e aperto no coração em seu final, onde sentimos toda a dor de Poirot com o que ele presencia, o que dá margem para uma boa reflexão e discussão filosófica. Ou seja, é uma Agatha Christie que faz pensar não na forma da montagem de uma trama, mas sim faz pensar questões mais profundas. Até pelo fato de o filme terminar dessa forma mais inusitada, a atenção total que o espectador deve dar a uma história que reconstitui um assassinato como se fosse as peças de um quebra-cabeça não é tão necessária assim. E a cerebralidade policial da película é substituída por algo mais emotivo e que lança nossa alma numa lamentação incomensurável.
                                   Atores de peso…
Com relação aos atores? Branagh simplesmente arrebentou. Ele deixou bem clara a meticulosidade do personagem ao exigir dois ovos cozidos rigorosamente iguais e em ser um observador rigoroso, sendo possível identificar cada detalhe de seu interlocutor. Suas gargalhadas ao ler Dickens também foram dignas de atenção, já que o escritor é famoso por contar histórias não tão alegres assim. Todos esses detalhes atraíam o espectador que nada conhece sobre Poirot ou ajudavam a ressuscitar uma figura há muito tempo esquecida (o que foi o meu caso). Do elenco estelar, devo confessar que lamentei o pouco tempo de tela a alguns medalhões do naipe de Dafoe, Dench e Cruz. Michelle Pfeiffer estava magnífica no filme e, mesmo com os sinais da idade já despontando em sua face, ela não deixa de ser uma mulher charmosa. Ainda contribui para a atuação dela o fato de sua personagem ter uma certa centralidade na história. Só é de se lamentar que, com tantos craques de atuação aqui, Daisy Ridley tenha ficado tão ofuscada. Bom, se ela quer ser grande, ela precisa estar entre os grandes. E se ela foi chamada para isso, eu considero tal situação um bom sinal. Ela fez o que podia fazer de melhor ali. Mas teve um baixo tempo de tela, também, até por motivos óbvios.
                                … e uma diva…
Dessa forma, “Assassinato No Expresso Oriente” pode até ser mais uma adaptação de Agatha Christie para o cinema, mas não deixa de ser simpática e atraente, pois é conduzida por alguém muito competente como Branagh. Pela boa história, pelo elenco e, principalmente, pela reflexão gerada por um desfecho um tanto inusitado, vale a pena dar uma conferida.
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sábado, 6 de janeiro de 2018

Resenha de Filme - A Bela Da Tarde. Surreal Disputa Entre Real E Onírico.




                                                    Cartaz do Filme

Ao que eu me lembre, só havia visto um filme de Luís Buñuel, o longínquo “Um Cão Andaluz”, lá da época do cinema mudo e um dos ícones clássicos do surrealismo. Qual não foi a minha surpresa quando vi que estava em circuito uma cópia restaurada de “A Bela da Tarde”, em comemoração aos cinquenta anos da película, realizada lá no ano de 1967, com Catherine Deneuve no auge de sua juventude e beleza? Essa era uma oportunidade de ouro e me despenquei lá para o Espaço Itaú para assistir.

                                       Uma esposa frígida e recatada…

E quais foram as impressões? Esse é um filme que tem um enredo um tanto manjado (alerta de spoiler em filme de cinquenta anos!!!). Uma esposa frígida sexualmente (interpretada por Deneuve), que tem um marido dedicado e bem sucedido na carreira de médico, vive atormentada com sua condição, mesmo com toda a compreensão do mundo do cônjuge. Um belo dia, ela descobre, por intermédio de uma amiga, que os famosos prostíbulos ainda existem nas ruas de Paris. Tomada por toda uma curiosidade, ela visita um deles e começa a trabalhar como prostituta, algo que vai transformar sua vida, pois a moça fica bem mais ativa com suas experiências sexuais, e ela consegue levar uma vida mais afável com o marido. O problema é que um dos amigos do marido, tremendamente inconveniente com a moça, a descobre no prostíbulo, o que faz a esposa largar a profissão em que ela somente pode estar à tarde (daí o título do filme). Mas um de seus clientes é um perigoso bandido que descobre seu endereço e acaba atirando em seu marido, que fica paralítico.

     … tem uma vida tranquila com o marido…

Esse drama um tanto sexual com ares de tragédia cairia num lugar comum não fosse uma pequena batalha presente na estrutura narrativa da película. Os pólos atuantes desse embate são o mundo real e o onírico, onde um não respeita o limite do outro. Assim, no início da película, presenciamos uma situação onde o casal anda numa carruagem e fala da frigidez da esposa.

                        Fetiches surrealistas…

Num rompante, o marido para a carruagem e ordena aos cocheiros que chicoteiem e estuprem a moça. Mas isso na verdade é somente um devaneio fetichista da esposa, que está segura na cama de seu quarto. Esse é apenas um dos exemplos que permeiam todo o filme, com o detalhe de que o onírico é extremamente inusitado, beirando o surreal, algo que tem tudo a ver com um diretor como Buñuel. O leitor mais atento pode então frisar que esse jogo de gato e rato entre o real e o onírico então é de fácil percepção, ou seja, é só tudo se tornar surreal que sabemos o que é real e o que é invenção da mente da esposa. Vemos até umas armadilhas relacionadas com essa ideia em alguns momentos do filme. Mas a coisa não é tão simples assim e o fio narrativo que considerávamos como parte do mundo real se revela, ao final da película, nada mais do que um outro devaneio ilógico da esposa, que aparece finalmente como uma perfeita casada no mais perfeito dos mundos.

                                Ela experimenta a vida de prostituta…

Essa brincadeira um tanto lúdica entre o real e o onírico com toques de surrealismo é a grande atração do filme depois da beleza estonteante de uma jovem Deveuve de cinquenta anos atrás.

    …com direito a algumas ligações perigosas…

Assim, “A Bela da Tarde” justifica toda a sua fama de ser um clássico da história do cinema, com a chancela de dois nomes fortes do porte de Buñuel e Deneuve. Se o estimado leitor não tiver a oportunidade de assistir a essa cópia restaurada que está em circuito, procure em DVD ou no Youtube, pois vale muito a pena, não somente para os amantes de um bom cinema como também para admirar a beleza de uma diva das telonas.
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sábado, 16 de setembro de 2017

Resenha de Filme - Dupla Explosiva. Vale Mais Pela Comédia


                  Cartaz do Filme
Um filme de ação com cara de comédia está em nossas telonas. “Dupla Explosiva” é o clássico filme de “porrada, bomba e tiro”, mas que é muito mais interessante por seu conteúdo altamente cômico. E isso amparado por um elenco estelar: Ryan Reynolds (cuja presença ficou muito mais valorizada por onde ele passa depois de “Deadpool”), Samuel Jackson (que dispensa apresentações) e as gratas surpresas de um Gary Oldman, o versátil ator português Joaquim de Almeida e, principalmente, Salma Hayek, que andava meio sumida e que, apesar da idade, ainda tem uma beleza para lá de estonteante.
                            Uma baita química!!!
No que consiste a história do filme? Michael Bryce (interpretado por Reynolds), um agente de segurança de gente muito importante, sempre foi impecável em seu trabalho. Até que um dos seus clientes acaba assassinado, o que o colocou no limbo, conseguindo apenas trabalhos menores. Ele será chamado por Amelia Roussel (interpretada por Elodie Yung) para proteger Kincaid (interpretado por Jackson), um assassino profissional que é testemunha-chave para condenar um ex-presidente da Bielorússia (interpretado por Oldman), acusado de genocídio. O problema é que o tal ex-presidente tem todo um rosário de capangas e assassinos que vão perseguir nossos protagonistas até ao inferno, se for preciso, com o objetivo de matar Kincaid. Aí, o resto todo mundo já sabe. Mas o detalhe aqui está no relacionamento entre Bryce e Kincaid, que foi, digamos, um tanto turbulento no passado, o que vai provocar muitas risadas nos espectadores.
                 Muito bom ver Hayek de volta!!!
O filme definitivamente gira em torno de Reynolds e Jackson, como não podia deixar de ser diferente. A química entre os dois foi perfeita, com um carisma maior por parte de Jackson. Ele meio que engoliu Reynolds durante a película. De qualquer forma, Reynolds também esteve bem. O personagem talvez não ajudasse muito, já que ele era metódico, certinho e, como dizem hoje em dia por aí, cheio de “mimimi”. Já Jackson era um supersafo da vida, com os “Motherfuckers” de sempre, o que provocava muito mais impacto. Duas naturezas tão antagônicas ajudaram a compor um bom relacionamento entre os dois, que começou com turbulências muito engraçadas, mas que pouco a pouco deram lugar a uma aproximação e entendimento melhor entre eles.
Com relação ao vilão, ele apareceu muito pouco e fez o bandidão mau e impiedoso clássico, o que é uma pena, pois um talento como o de Oldman sempre pode ser melhor aproveitado, se bem que, num filme desse tipo, não existe muito espaço para isso, pois o vilão é mau e somente isso. Podemos dizer que Oldman fez seu “feijão com arroz” direitinho. Já Joaquim de Almeida é aquele talento que todos nós cinéfilos que acompanhamos o cinema europeu já conhecemos de eras. Mas o cinema americano insiste em criar estereótipos e mais uma vez deu um papel de mau caráter a Almeida, o que eu particularmente acho uma coisa muito chata e reforça os argumentos de Ricardo Darín em não ceder às tentações de Hollywood. Salma Hayek interpretou a esposa de Kincaid, e fez o estereótipo da mulher latina fogosa e violenta clássica. Como era algo sem saída, Hayek caiu de cabeça no papel e o fez de forma tão caricata que isso caiu como uma luva no gênero de comédia do filme. E, cá para nós, como foi bom ver Hayek de novo com sua beleza irresistível! Só isso já valeu o ingresso!
                  Oldman. Vilão convencional.
Apesar do rosário de estereótipos, “Dupla Explosiva” é um filme altamente recomendável pois, mais do que um filme de ação, é uma ótima comédia feita por um elenco muito bom e traz atores que estavam meio sumidos nas telonas. Só é lamentável que esse filme tenha passado em tão poucas salas e com poucos horários, o que reflete a carência de salas de cinema numa cidade de escala nacional como o Rio de Janeiro. Quem não tiver a chance de ver no cinema, pode depois procurar no DVD.

quarta-feira, 13 de setembro de 2017

Resenha de Filme - Paterson. Poesia e Cotidiano.


Cartaz do Filme
O diretor Jim Jarmusch está de volta, em parceria com o “Kylo Ren” Adam driver, trazendo o bom filme “Paterson”. Um filme sobre escrita e poesia. Mas também um filme sobre cotidiano, regado a pequenas e quase imperceptíveis alterações de rotina. Uma verdadeira aula de como você deve lidar com o dia-a-dia e os problemas que eventualmente surgem em sua vida.
A história em si é muito simples. Vemos aqui a trajetória de Paterson (interpretado por Driver), um motorista de ônibus que vive numa cidadezinha que tem o seu nome e que fica em New Jersey. Nosso protagonista acorda todos os dias em torno das seis e dez da manhã, troca uns beijinhos com sua esposa Laura (interpretada pela estonteante Golshifteh Farahani), vai para seu emprego, dirige o ônibus o dia inteiro, volta para cada, janta com sua esposa, leva o cachorro para passear e para num bar. De segunda a sexta, essa é a rotina de Paterson, que é quebrada em poucos momentos. Nem sempre a conversa no bar é a mesma, diferentes passageiros têm diferentes conversas no ônibus e Paterson, atento a tudo, as registra em sua memória. Mas a principal quebra de rotina na vida de Paterson é o ato de escrever suas poesias. Poesias que não rimam, é verdade, mas que pegam pequenas coisas do cotidiano (uma caixa de fósforos, por exemplo) e as transformam em objetos de arte com grande lirismo por parte do escritor. A esposa de Paterson é outro ponto importante na quebra dessa rotina. Cheia de manias, ela quer, simultaneamente, ser artista plástica, abrir uma empresa de cupcakes ou até mesmo ser uma cantora country, colocando Paterson eventualmente em maus lençóis financeiros. Mas o amor do motorista escritor por sua esposa é tanto que ele é altamente compreensivo com as doideiras dela, que também o apoia muito em sua carreira de escritor. E assim, a vida dos dois vai seguindo ao longo da semana. Só que um acontecimento inesperado quebraria violentamente essa rotina.
                     Paterson, um carinha legal…
O grande barato desse filme está justamente na questão da rotina e da sua quebra, com a poesia atuando como ponte entre esses dois pólos. É do cotidiano que Paterson tira inspiração para escrever seus versos e estrofes. Ou seja, de um local aparentemente estéril em termos de criatividade (a rotina do cotidiano) é de onde sai para Paterson todo um terreno para ele pôr em prática a sua fértil visão de mundo. Somente um artista refinado e sensível consegue tal proeza. E vamos percebendo isso paulatinamente na película, onde nosso protagonista começa a criar seus versos um pouco antes de sair com o seu ônibus, quando tem o raciocínio cortado pelo despachante pessimista da empresa, e o retoma na hora do almoço, quando tem mais tempo para escrever.
Com a esposa, doidinha, mas muito amável…
É claro que não é apenas a repetição do cotidiano que dá material para Paterson escrever. As conversas dos passageiros no ônibus trazem elementos novos para o motorista. Uma conversa de dois homens contando suas paqueras, um papo de estudantes anarquistas sobre uma importante figura anarquista do passado da cidade, ou até a importância do filho ilustre Lou Costello para a cidade de Paterson, todos estes são elementos que tiram o filme da rotina e trazem novos pontos de reflexão para o escritor, que é apaixonado por um famoso escritor local, William Carlos Williams. Existem até outros elementos que eu poderia mencionar à respeito da quebra de rotina, elementos esses relativamente interessantes, mas chega de spoilers por hora.
E os atores? Golshifteh Farahani foi muito bem numa personagem que, de tão lúdica, beirava o caricato. Ela segurou o rojão bem e comprou a ideia. Convenhamos que sua beleza hipnotizante ajudou bastante, mas a moça é talentosa, não vamos desmerecer a sua atuação em função de sua beleza. Já Adam Driver fez um personagem excessivamente calmo e compreensivo, que eventualmente saía de seu estado letárgico em situações engraçadas do bar. Apesar da excessiva passividade de Paterson, Driver fez a gente gostar do cara, o que é sinal de uma boa atuação.
Situações inesperadas quebram o cotidiano
Assim, “Paterson” é um bom filme, que tem um ritmo lento por viver em função do cotidiano e da rotina, mas cativa e prende a atenção pelos personagens, pelos atores e pela poesia bem escrita, talvez a grande vedete do filme. Vale a pena dar uma conferida em DVD.

sexta-feira, 28 de julho de 2017

Resenha de Filme - Neve Negra

Cartaz do filme
Ricardo Darín apareceu novamente no cinema argentino. Entretanto, a gente acaba lamentando aqui a sua pouca presença em sua nova película, mesmo que seu nome puxe os créditos. Uma pena, pois “Neve Negra” se revela um bom filme de drama psicológico, com uma pitada de suspense, embora o filme tenha sido vendido da forma completamente oposta.
Vemos aqui a história de Salvador (interpretado por Darín), um homem que vive recluso nas gélidas florestas da Patagônia. Ele vive de sua caça, pois está a quilômetros e quilômetros de distância de qualquer coisa civilizada. Salvador tem um irmão, Marcos (interpretado por Leonardo Sbaraglia), que vem a sua cabana com a esposa Laura (interpretada por Laia Costa). O assunto que levam os dois à casa de Salvador é a venda da propriedade da família e a consequente retirada de Salvador do terreno. Mas isso não é o único motivo de conflito entre os irmãos. O irmão caçula havia sido morto no passado por um tiro numa saída para a caça e a culpa de tudo ficou atribuída a Salvador, o que teria sido um “acidente”. Mas essa história estava muito mal contada e, aos poucos vamos descobrindo que a verdade é muito diferente do que foi mostrado no início da película.
Salvador, um verdadeiro eremita
Como a história é demasiadamente cativante, vou parar aqui com os “spoilers”. Além do roteiro bem escrito, a gente também pode mencionar uma primorosa montagem, pois a tensão do tempo presente no filme precisa ser alimentada por uma sucessão de “flash-backs” que devem entrar nos momentos certos, numa constante interação entre presente e passado. Isso tem que ser feito de forma bem engenhosa para não criar confusão na mente do espectador, assim como a narrativa não pode ficar mais concentrada no presente ou no passado, precisando ficar bem distribuída, como aconteceu no filme. Outra virtude da película foi o clima altamente soturno que permeia toda a história, que foi vendida mais como um filme de suspense. A fotografia e a música da película sufocam o espectador com essa impressão de suspense e o clima pesado não arreda o pé da história um instante sequer. Mas creio que a principal característica do filme é a do drama psicológico, pois o passado dos irmãos foi manchado por violentos traumas, onde o isolamento dos filhos feito por um pai opressor provoca uma sucessão de pequenas tragédias que culminam na morte do filho caçula.
Marcos terá que convencer o irmão a sair da propriedade da família
Com relação aos personagens, essa é uma história mais centrada no casal Marcos e Laura. Salvador fica numa posição mais periférica e sua natureza rude e introspectiva causava uma má impressão inicial em seu personagem. Sua pouca participação no filme foi outro problema, pois não deu voz ao personagem ao longo da trama e tempo para desenvolver sua história, o que é um desperdício em se tratando de Darín e de um filme onde ele encabeça o elenco nos créditos. Ficou uma má impressão de que o ator ficou muito mal aproveitado.
Uma coisa que ficou um pouco complicada foi o desfecho, onde apareceu uma situação meio “Mandrake”, ou seja, mesmo que o cinema possa lançar mão de toda uma licença poética, a solução de todo mistério e de todo o passado nebuloso veio de forma extremamente fácil, já ao apagar das luzes da história. Teria sido muito mais saboroso se esse mistério tivesse sido desvelado aos poucos (e até o foi), mas sem um desfecho tão abrupto e pouco plausível. De qualquer forma, a história de “Neve Negra” ainda pode ser considerada muito boa e com notáveis reviravoltas.
Laura. Participação importante na trama
Assim, vale muito a pena ver Darín novamente atuando, embora tenha sido muito pouco para quem é fã de verdade desse grande ator argentino. Que bom que, pelo menos as atuações de Leonardo Sbaraglia e Laia Costa também tenham sido boas, já que o filme foi mais centrado nesses atores. Apesar de algumas situações inusitadas, “Neve Negra” é um bom filme de drama psicológico, regado a um clima soturno de suspense. Vale muito a pena dar uma conferida quando sair nas locadoras.